El arte ha sido desde siempre parte de la humanidad y su visión ha ido cambiando con el paso de los siglos. Se han plasmado guerras, pobreza, lucha, nuevas tecnologías y todo lo que se ha ido creando y admirando.
Sin embargo, el papel de las mujeres en esta representación artística ha sido tradicionalmente pasivo. Se ha limitado a musas, modelos y fuente de inspiración en general. Aunque lo cierto es que fueron muchas las mujeres que destacaron en las artes plásticas pero desafortunadamente quedaron relegadas en pro de los grandes artistas masculinos.
Hoy sabemos que algunas de las obras atribuidas a pintores o escultores fueron en realidad hechas por mujeres. Muchas se escondían detrás de pseudónimos, otras tuvieron que conceder el mérito a sus maridos para poder alcanzar su sueño y la mayoría tuvieron que renunciar a su talento.
Eran muchos los obstáculos que se interponían en el camino de las mujeres. Por un lado, el papel tradicional de mujer y cuidados que no permitía tener un espacio propio, por otro la dependencia económica que impedía adquirir el material y, por último, la entrada vetada a la educación que han tenido las mujeres la mayor parte de la historia y que imposibilitaba adquirir el aprendizaje y las destrezas necesarias para las artes plásticas. En definitiva, la pintura requería de muchos aspectos que las mujeres no siempre han estado en situación de estar al alcance.
A pesar de todas estas dificultades ha habido mujeres que sí han podido triunfar en el mundo del arte y llegar a nuestros días. Hoy, 8 de marzo, os destacamos a 8 maravillosas artistas.
1. Berthe Morisot (1841-1895)
Berthe Morisot fue la primera mujer en unirse al movimiento Impresionista, tras ella llegarían nombres como Marie Bracquemond o Mary Cassatt. Nacida en una familia de la alta burguesía, fue educada en el mundo del arte y la música, disciplinas que supo combinar dentro de su papel de mujer moderna y animadora social. A la edad de 20 años, conoció a Camille Corot, importante paisajista de la Escuela de Barbizon, quien la admitió como su discípula y le introdujo en los círculos artísticos.
Fue modelo y amiga de Manet, además de su cuñada -se casó con su hermano Eugène- y tuvo un papel destacado en el desarrollo del Impresionismo francés exponiendo junto a artistas de la talla de Degas, Renoir, Monet.
Su obra Detrás del desayuno consiguió batir todos lo récord de las subastas de la famosa casa de apuestas londinense Christie’s, subastado por la cantidad de 11 millones de dólares.
2. Sonia Delaunay-Terk (1885-1979)
Nacida en Ucrania, Sonia Delaunay-Terk fue criada por su tío, Henry Terk en San Petersburgo quien le ofreció una educación cosmopolita. A través de Max Liebermann tomó contacto con el mundo artístico germano y en 1903 se trasladó a Karlsruhe para comenzar sus estudios de pintura. Dos años más tarde continuaría su formación en París en la prestigiosa academia La Palette. En la capital francesa entró en contacto con la vanguardia artística. En la capital francesa entró en contacto con la vanguardia artística y conoció a Robert Delaunay, con el que se casaría en 1910. A partir de entonces, el intercambio artístico entre Sonia y Robert Delaunay sería constante y juntos desarrollaron el orfismo (también conocido como simultaneísmo), corriente artística del arte abstracto que utiliza la luz y el color como medio de crear espacio y formas en un cuadro.
En el París de los años veinte tuvo una estrecha relación con los grupos dadaístas y surrealistas y colaboró con ellos en la producción de proyectos teatrales y cinematográficos como Le P’tit parigot de Le Somptier. Durante la década de 1930 estuvo en contacto con grupos artísticos que abogaban por la abstracción en el arte como Abstraction-Création o Cercle et Carré y fue uno de los miembros fundadores de Réalités Nouvelles en 1939.
Tras la muerte de su marido en 1941, Sonia Delaunay continuó trabajando y colaborando en la promoción del arte abstracto. En 1964, como consecuencia de la donación de obras suyas y de Robert, se convirtió en la primera mujer a la que se le honraba con una exposición en el Musée du Louvre.
3. Natalia Gonchavora (1881-1962)
Nacida en una familia de alta burguesía rural, comenzó sus estudios en 1898 en la Escuela de arte, escultura y arquitectura de Moscú. Sus obras se relacionaban con el arte icónico y el arte popular ruso, mientas que en otras comienza a despuntar su influencia por el futurismo y el cubismo, que evoluciona al rayonismo. Su obra fue bien acogida por el público aunque su estilo de vida, alejada de los convencionalismos sociales, siempre causó polémica.
Con su exposición Le Coq d’or de Diághilev dio el salto a Europa dándose a conocer como escenógrafa. Viajó junto a Diághilev y Lariónov a Italia, Suiza y España hasta asentarse en Francia donde su trabajo comenzó a ser más que fructífero aunque con la muerte de Diághilev comenzó su declive creativo. Pocos meses antes de su muerte el Arts Council de Londres realizó una exposición retrospectiva de la obra de la artista donde se reconocía su importancia dentro del panorama artístico ruso y europeo del s.XX.
Muy valorada en el mundo del arte su cuadro Flores alcanzó el precio de 10,8 millones de dólares.
4. Frida Kahlo (1907-1954)
Pintora mexicana combina en su obra, de una manera muy personal, el surrealismo (ella nunca consideró su obra surrealista pues lo que ella pinta no procede de los sueños ni del inconsciente), el estilo naïf y folclórico.
La vida de Frida Kahlo estuvo marcada por una enfermedad infantil y por un accidente en su juventud que le llevó a pasar por quirófano hasta 32 veces. Estuvo casada con el muralista mexicano Diego Rivera. Una existencia intensa y dura que queda reflejada en una obra pictórica autobiográfica llena de sufrimiento e influenciada por Rivera.
Aunque su obra fue admirada por varios artistas de la época fue después de su muerte cuando sus trabajos lograron una may5. Georgia O´Keeffe (1887-1986)or trascendencia.
5. Georgia O´Keeffe (1887-1986)
Georgia O´Keeffe es considerada una pionera de las artes visuales estadounidenses. Se formó Escuela de Arte del Instituto de Chicago y en Nueva York en el Art Student League donde conoció el arte europeo de Rodin y Matisse. Tras enseñar arte en la escuela pública de Amarillo (Texas) se perfeccionó en Columbia University con Arthur Wesley Dow.
Hawái y sobre todo Mexico, país en el que al principio de manera intermitente y a partir de 1947 vivió de manera continuada hasta su muerte a los 98 años, tienen una importancia enorme en una obra en la que quiso dar vida y expresión visual a sus emociones a través de abstracciones basadas en la naturaleza.
En 1962 fue elegida miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras, en 1977 fue galardonada con la Medalla Presidencial de la Libertad y en 1985 ganó la Medalla Nacional de las Artes.
En noviembre de 2014, su obra de 1932 Jimson Weed/White Flower No. 1 fue vendida en $44 405 000.
6. Esther Ferrer (1937-)
Artista interdisciplinar española, nacida en San Sebastián, con una obra centrada en el arte de la performance y considerada como una de las mejores artistas españolas de su generación.
En 1966, se unió al grupo de performance Zaj, creado por la propia Ferrer junto a los españoles Juan Hidalgo y Ramón Barce y el italiano Walter Marchetti. Zaj fue conocido por sus actuaciones conceptuales y radicales, muchas de ellas inspiradas en la idea y obra de John Cage. El grupo fue disuelto en 1996 por Walter Marchetti.
Además la producción de Ferrer incluye objetos, fotografías y sistemas basados en series de números primos. Sylvie Ferré ha dicho de ella que: «El trabajo de Esther Ferrer se caracteriza por un minimalismo muy particular que integra rigor, humor, diversión y absurdo».
En 2008 se le concedió El Premio Nacional de Artes Plásticas de España y en 2014 El Premio Velázquez de Artes Plásticas.
7. Ana Mendieta (1948-1985)
Cubana exiliada en EE.UU, Ana Mendieta es una de las artistas hispanas más reconocidas dentro del Arte Contemporáneo.
Su obra está dedicada a desarrollar movimientos como la performance y el Body Art, tendencias que la llevaron a expresarse de formas no convencionales. A través de su cuerpo representó y creó obras con las que mostró su personalidad luchadora, reivindicativa y provocadora con un enfoque eminentemente feminista. Marcada por el exilio que le arrancó parte de sus raíces al separarla de sus padres y de su tierra, y la llegada en los sesenta a una población aún racista, Mendieta dedicó su producción a mirar críticamente la sociedad que le rodeaba para después gritar corporalmente el rechazo y el sufrimiento causado por temas como el racismo, la política, la violencia, la marginación y el exilio.
Su vida acabó trágicamente la edad de 36 años al caer desde la ventana de su apartamento, un suceso trágico que muchos achacaron y achacan al que era su marido, el artista Carl Andre. Un final fatídico y paradójico para lo que fue su vida, una constante lucha reivindicativa por la igualdad y la protección de la mujer.
8. Cristina Iglesias
Escultora y grabadora, Premio Nacional de Artes Plásticas y una de las artistas españolas más internacionales de las últimas décadas.
Cristina Iglesias se formó en escultura en la Chelsea School of Art en Londres. Una estancia en la capital británica —igual que su paso por Italia— que marcó su futuro como artista para alguien que deseaba trabajar en el espacio y el contexto. Al terminar en el Reino Unido, pudo acceder a una beca Fulbright para estudiar en la Escuela de Bellas Artes del prestigioso Pratt Institute de Nueva York (1988).
En su obra Iglesias emplea todo tipo de materiales como hormigón, acero, agua, cristal, bronce, bambú, hojarasca, …. y ella misma se considera influida por el constructivismo ruso, los bajorrelieves asirios que pudo contemplar en el Museo Británico, la arquitectura italiana del renacimiento además de calificarse como una escultora-constructora, atraída por la arquitectura.
Ganadora del Berliner Kunstpreis en 2012 en la modalidad de artes visuales, su obra se encuentra en lugares públicos de todo el mundo (Brasil, Dinamarca, España, Estados Unidos, Italia, México, Países Bajos y Reino Unido) y en museos como el MACBA (Barcelona), la Tate Gallery (Londres), el Reina Sofía (Madrid), el MoMA y el Solomon R. Guggenheim Museum (Nueva York), la Fundaçión Serralves (Oporto), el Centro Georges Pompidou (París), o el Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas (Washington), entre otros.
Fuente: https://rz100arte.com/mujeres-en-el-arte-15-artistas-que-si-han-triunfado/
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